方々でミキシングを学ぶにはどういう本を使えばいいですかという質問を受けます。
私はレコーディングスタジオでアシスタントエンジニアの経験があるので、様々な音楽ジャンルのプロのエンジニアからいろいろな技を目で見て吸収しましたが、ビギナーにはそういうことは難しいでしょうし、経験からではなく歴史や理論方面から学びたいというアプローチもあるでしょう。
ただ、ミキシングというか、音源の方向性は時代とともに急速に変化するものです。一度勉強したら終わりということではないので、常に先端の事情を追い続ける必要が生じます。
ですが、幾つかの基本的事項は普遍的に利用できるのでそういった知識を中心につけていき、味付けとして先端の機材の操作法、流行の音楽のエンジニアリングなどを学べばいいと思います。そういったものは理論書というより使い捨てられる雑誌などのほうが効果的な記事が多いです。
さて、では、ミキシングに関して幾つか普遍的に利用できる基本的理論の話になりますが、これは音響心理学、音響学から多くの知識を得る事が出来ます。
例えば、これ
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Science of Sound, The (3rd Edition)
Addison Wesley 2001-12-18 |
アメリカで広く使われている音響の教科書ですが、様々な音響現象に対して人の聴覚はどのように反応しているのかを学ぶ事が可能です。例えば、マスキング効果、位相、ラウドネス曲線などエンジニアが感覚的に考えているであろうことがらが、きちんと体系化され理論として説明されています。
ミキシングしていて、不自然に感じる音の理由を言葉で説明できるようになります。基礎的な理論を知るということはトライアルエラーで時間をかけてミキシングしていくよりも圧倒的に素早く目的の音に到達できるようになります。
レコーディングスタジオではしばしば不自然なハーモニーを修正するために、アレンジ段階からやり直す場面にも遭遇しますが、この点においても日本のエンジニアは専門学校卒が多く、音響や音楽理論、オーケストレーションの正統な教育を受けていないケースが多いため、非理論的に鍵盤を抑えて耳で音を聞きながらああでもないこうでもないと試行錯誤を繰り返します。
対位法を勉強していれば不自然な旋律、際立ちすぎたハーモニーの理由が簡単に説明できるのに、理由がわからず何時間も鍵盤と格闘しているエンジニアを目撃したことがありますが、生産性が高いとは言えないでしょう。もちろん苦労したぶん、やり遂げた後の達成感はあるでしょうがアマチュアのアプローチの域を脱しないと思います。
ミキシングの際に身につけておくと便利な体系的学問はオーケストレーションです。伝統的な楽器を組み合せる際に、ダイナミクス、パンニングなど、どのようなことに気をつけて何十人もの演奏を一つの音楽にまとめるかという基礎的なことを学ぶ事ができます。
これはマルチトラックレコーディングやMIDIの打ち込みの時代以降のDAWのミキシングに他ならない技術です。アナログかデジタルかの違いであって、決して別物ではありません。もちろん、テクノやハウスミュージックであったとしても生楽器のサンプリングを使う事はあるでしょう。それらの音色をどのように組み合せていけば自然な響きを出すことができるのかはオーケストレーションから学ぶ事ができます。
このような普遍的な基礎技術、理論を身につけておけば新しい音楽ジャンルが登場した際にもすぐに応用がきくでしょう。
| The Study of Orchestration |
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W W Norton & Co Inc (Np) 2002-03 売り上げランキング : 18608 おすすめ平均 |
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Acoustic and MIDI Orchestration for the Contemporary Composer
Focal Press 2007-11-09 |
その他有効な文献としてはペリークックの音楽認知の本が役立つでしょう。
これは人が音楽に対してどのような意味付けをしているのか、脳がどのような働きをしているのか、音楽と記憶の関係などを学ぶことができます。
自分が作った音楽が一般的にどう聞かれるのかを自分で把握することはとても大事なことですが、多くの音楽家がそのステージまで達する事ができません。CDの売り上げや世間の反応を見なければその作品がどう聞かれているのかがわからなかったりするものですが、音楽認知を勉強することで少しでもその先を予想することが可能になります。
| Music, Cognition, and Computerized Sound: An Introduction to Psychoacoustics |
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Perry R. Cook
The MIT Press 1999-03-05 |
日本語ではこの手の文献は皆無に等しく、そこがまた日本の音楽家、エンジニアのレベルがあがらない原因の一つにもなっていますが、近年いくつかの良書が日本語訳されてきています。カーティスローズのコンピューターミュージックチュートリアルの日本語版も音響学の基礎理論からデジタル信号処理まで深い解説がある理論書です。
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コンピュータ音楽―歴史・テクノロジー・アート
東京電機大学出版局 2001-01 |
Ambient Works Book 1
- ソロ楽器のための12曲から構成されるアルバム。環境自体を作るようなインスタレーション的なアンビエントを、サウンドデザイナーのような立場からではなく、あくまで音楽家の立場から、人力演奏の一発録り1トラックで作り上げた12曲。 -
CDアルバムPreludes for Piano Book 1
- ポストヒューマニズムによる伝統的形式の再解釈 -
音楽家・松本昭彦による1stフルアルバム「Preludes for Piano Book 1」。 本作は楽曲ごとに12種類の全く異なる作曲技法を試みたピアノ前奏曲集であり、ピアノ以外の楽器は一切使用していない純粋なピアノ音楽である。
個々の楽曲に通底するものはポストヒューマニズムの志向であり、従来の人間の感覚的特性や身体的特性が暗に導いている音楽的制約を取り払い、コンピューターの演算能力を借りることで、生身の人間だけでは到達しえない地点の音楽を構築し、音楽における人間とコンピューターの関係性を捉え直すことをコンセプトとしている。
1000年以上に渡る西洋芸術音楽の歴史を総括し、ピアノという楽器が生まれるはるか昔に忘れ去られた中世の音楽理論、20世紀後半以降の情報処理技術などをメタレベルで融合させ、ピアノという楽器を拡張するような電子音響処理を施し、プログラミング技術を駆使して楽曲を生成することで、生身の人間の作曲家の思考やピアニズムとは異なる角度から音楽を捉えなおし、新たなピアノ前奏曲集の可能性を模索した12曲。
坂本龍一
これは２１世紀ならではのピアノ前奏曲集だ。しかしこれがピアノの音なのか？不思議だ。
evala
過去1000年にも及ぶ音楽の実験と洗練の歴史を織り込みながら、まるで、まだ見ぬ人工生命が自発的にピアノと戯れているかのような楽曲群。これは最先端の電子音響でも現代音楽でもない。ピアノという楽器がもつ新しいユートピアのかたちだ。その優艶さに、またひとつ音楽の未来が楽しみになった。
藤本隆行（DUMBTYPE, Kinsei R&D）
人間が組織づけた音は、その構造によって人の感情に揺さぶりをかけたり、知的な経験を与えたりする。それを聴く側、つまり「人の心」を理解しようとするときには、乱暴な言い方をすると「精神医学」と「神経科学」の、2つのアプローチがあるように思う。精神分析などを使って迷路の中に踏み込んでいく方法と、脳を含めた身体の働きを、科学（西洋）的に細分化し切り刻んで、関係性を解明していく方法。 そのどちらが正しいのか？というのは、適切な問いの立て方ではない。 現代音楽のセオリーに全く無縁な僕が聴くと、とても饒舌でロマンチックと言ってもいいかと思うこの楽曲群は、実は音楽にとっての「精神医学」と「神経科学」の両方を深く考えた、稀有なバランスの上に成立している。
畠中実（キュレーター、美術／音楽批評）
プリペアド・ピアノは、ピアノの弦の間に異物を挟み込みピアノという楽器固有の音色を異化したものだが、この松本の言う、ピアノ以外の「楽器」は一切使用していない演奏による、12の前奏曲は、いわばコンピュータ・プログラムによってプリペアドされたピアノによる演奏とも言い得るだろうか。それぞれがコンピュータの異なる処理によって拡張されたコンポジションおよび楽器、そして演奏者による新たなピアニズムを模索しているようだ。それは自動筆記的でもあり、また、映像的な喚起力を内包してもいる。
國崎晋（サウンド＆レコーディング・マガジン編集人）
とても複雑な構造から成るピアノは、もっとも完成された楽器として広く知られている。松本はそんな楽器の王様にあたかも初めて接するような態度で臨み、鍵盤を弾くという本来の奏法だけでなく、弦をフィードバックさせたり筐体をたたいたり、どんなアプローチをすればどんな音が出るのかを、ひとつひとつ丁寧に確かめていったのだろう。その結果獲得した幾多の響きを増幅するための作曲技法、音響処理を徹底的に考え抜いて作られたのがこの12の楽曲だ。従来のピアノの枠にとどまらない12の新しい楽器が、それぞれの特性に合わせ極限まで洗練された演奏方法によって奏でられていくさまは、まさに息をのむほど優美なものである。
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