芸大に行ってからやけにアメリカの音楽理論について質問を受ける機会が増えました。
具体的にはシェンカー分析とピッチクラスセット理論という楽曲分析の理論についてです。シェンカーはドイツ人ですが、理論自体はアメリカで火を噴いたので、ヨーロッパの理論というより実質アメリカの理論と考えてもいいと思います。
2010年現在の音楽理論の研究でアメリカは最も盛んな国の一つで、世界の先端をリードしていると言っても過言ではなく、ヨーロッパの研究者も皆アメリカの論文のチェックには目を光らせているようです。
このピッチクラスセット理論の文献についての質問を受けることが多いので、この分野の代表的な本を紹介します。
ピッチクラスセット理論についての一般的な説明は英語版のwikipediaをご参照ください。
http://en.wikipedia.org/wiki/Set_theory_%28music%29
まずは、本家Allen Forteの一冊。
セットクラスのネーミング、forte nameは彼の名前に由来しています。中身は無調音楽の構造分析。forte nameに慣れていない人にとって記述と音の響きが一致せず、やや難しいかもしれませんが、文脈理解の基礎としておさえておくべき一冊だと思われます。
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The Structure of Atonal Music
Yale University Press 1977-09-10 |
次に、80年代から北米の音楽理論教育で最も広く使われているであろうピッチクラスの教科書、Basic Atonal Theory。
ピッチクラスセット理論の基礎的な概念から記号の使いかた、ウェーベルンやシェーンベルクの実際の分析などが紹介されていて、この道の研究者は必ず持っている一冊です。
用語や記号の使いかたなどはこの本を参考にすることが多いです。
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Basic Atonal Theory
Schirmer Books 1980-12 |
そして、これは私は個人的に最もおすすめする教科書、Introduction to Post-Tonal Theory。
ポスト調性音楽の代表的な作曲家の分析を通じて、ピッチクラスセット理論を概観します。
ピッチクラスだけでなく、ストラヴィンスキーやライヒのダイアトニックコレクションを用いた音高操作の分析、バルトークの対称軸、ストラヴィンスキーのローテーションアレイ、12音技法など調性音楽以降に出て来た新しい技法が解説されており、英語も三冊中最もわかりやすいです。
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Introduction to Post-Tonal Theory (3rd Edition)
Prentice Hall 2004-08-28 |
調性音楽という過去の時代の大きな潮流を乗り越え、新しい様式を模索している作曲家や20世紀の音楽を研究している音楽理論家には、ピッチクラスセットという概念は大きく役に立つでしょう。
和音や旋律など縦横の関係を取りはらい、集合として音楽をとらえていく考え方は私自身も大きな影響を受けており、クセナキス、ストラヴィンスキーのペトルーシュカのようなの確率的な集合の推移はコンピュータ時代に再考すべき作曲理論であると思います。
Ambient Works Book 1
- ソロ楽器のための12曲から構成されるアルバム。環境自体を作るようなインスタレーション的なアンビエントを、サウンドデザイナーのような立場からではなく、あくまで音楽家の立場から、人力演奏の一発録り1トラックで作り上げた12曲。 -
CDアルバムPreludes for Piano Book 1
- ポストヒューマニズムによる伝統的形式の再解釈 -
音楽家・松本昭彦による1stフルアルバム「Preludes for Piano Book 1」。 本作は楽曲ごとに12種類の全く異なる作曲技法を試みたピアノ前奏曲集であり、ピアノ以外の楽器は一切使用していない純粋なピアノ音楽である。
個々の楽曲に通底するものはポストヒューマニズムの志向であり、従来の人間の感覚的特性や身体的特性が暗に導いている音楽的制約を取り払い、コンピューターの演算能力を借りることで、生身の人間だけでは到達しえない地点の音楽を構築し、音楽における人間とコンピューターの関係性を捉え直すことをコンセプトとしている。
1000年以上に渡る西洋芸術音楽の歴史を総括し、ピアノという楽器が生まれるはるか昔に忘れ去られた中世の音楽理論、20世紀後半以降の情報処理技術などをメタレベルで融合させ、ピアノという楽器を拡張するような電子音響処理を施し、プログラミング技術を駆使して楽曲を生成することで、生身の人間の作曲家の思考やピアニズムとは異なる角度から音楽を捉えなおし、新たなピアノ前奏曲集の可能性を模索した12曲。
坂本龍一
これは２１世紀ならではのピアノ前奏曲集だ。しかしこれがピアノの音なのか？不思議だ。
evala
過去1000年にも及ぶ音楽の実験と洗練の歴史を織り込みながら、まるで、まだ見ぬ人工生命が自発的にピアノと戯れているかのような楽曲群。これは最先端の電子音響でも現代音楽でもない。ピアノという楽器がもつ新しいユートピアのかたちだ。その優艶さに、またひとつ音楽の未来が楽しみになった。
藤本隆行（DUMBTYPE, Kinsei R&D）
人間が組織づけた音は、その構造によって人の感情に揺さぶりをかけたり、知的な経験を与えたりする。それを聴く側、つまり「人の心」を理解しようとするときには、乱暴な言い方をすると「精神医学」と「神経科学」の、2つのアプローチがあるように思う。精神分析などを使って迷路の中に踏み込んでいく方法と、脳を含めた身体の働きを、科学（西洋）的に細分化し切り刻んで、関係性を解明していく方法。 そのどちらが正しいのか？というのは、適切な問いの立て方ではない。 現代音楽のセオリーに全く無縁な僕が聴くと、とても饒舌でロマンチックと言ってもいいかと思うこの楽曲群は、実は音楽にとっての「精神医学」と「神経科学」の両方を深く考えた、稀有なバランスの上に成立している。
畠中実（キュレーター、美術／音楽批評）
プリペアド・ピアノは、ピアノの弦の間に異物を挟み込みピアノという楽器固有の音色を異化したものだが、この松本の言う、ピアノ以外の「楽器」は一切使用していない演奏による、12の前奏曲は、いわばコンピュータ・プログラムによってプリペアドされたピアノによる演奏とも言い得るだろうか。それぞれがコンピュータの異なる処理によって拡張されたコンポジションおよび楽器、そして演奏者による新たなピアニズムを模索しているようだ。それは自動筆記的でもあり、また、映像的な喚起力を内包してもいる。
國崎晋（サウンド＆レコーディング・マガジン編集人）
とても複雑な構造から成るピアノは、もっとも完成された楽器として広く知られている。松本はそんな楽器の王様にあたかも初めて接するような態度で臨み、鍵盤を弾くという本来の奏法だけでなく、弦をフィードバックさせたり筐体をたたいたり、どんなアプローチをすればどんな音が出るのかを、ひとつひとつ丁寧に確かめていったのだろう。その結果獲得した幾多の響きを増幅するための作曲技法、音響処理を徹底的に考え抜いて作られたのがこの12の楽曲だ。従来のピアノの枠にとどまらない12の新しい楽器が、それぞれの特性に合わせ極限まで洗練された演奏方法によって奏でられていくさまは、まさに息をのむほど優美なものである。
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