近年復刻されたフェンダーのブルースデラックスは90年代以降の傑作アンプです。
オリジナルは93年発売。リッチー・フリーグラーがこれらのアンプの生産を取りやめてホット・ロッド・シリーズにシフトしてしまいましたが、ツイードのブルースデラックスの独特な渋さはファンが多く、大友良英氏もソロライブで愛用しています。
“BLUES DELUXE”はソリッド・ステートの整流管と、プリ段に12AX7x3、パワー段に6L6x2を備えた40Wアンプで12インチx1スピーカーが搭載されていますが
時期によってエミネンスのレジェンドシリーズが載っていたりジェンセンのアルニコが載っていたり、その音も様々です。
ノーマルチャンネルはハイからローまできちんと出ていて、ふくよかでコンプ感が強いです。
ドライブチャンネルは高域は枯れたような抜けで、現代的なミドル、低音は逆にビンテージ・ライクにもったりした音になります。
低音はドライブチャンネルのほうがカットされています。
ブルースデラックスはホット・ロッドほど歪みませんが、『モダンなビンテージ・トーン』という二律背反したようなイメージの進化系オールドトーンが絶大な支持を集め、未だに多くの根強いファンがいるためリイシューに至ってます。
CBS期以降に開発されたオリジナル・モデルで正式にリイシューされたのはブルースデラックスが初のことです。
エレキギターというのは、電気楽器なのですが、スピーカーまで含めたアコースティック楽器系と見ることもできるのではないでしょうか。
そうなると、アンプというのは楽器のボディーのようなもので、音色形成にものすごく重要であることが予想できると思います。
ブルースデラックスに搭載されているエミネンスの現代的なスピーカーのトーンもいいのですが、ツイード期のツインやチャンプの独特のクランチトーンが好きな人にはジェンセンのアルニコスピーカーであるPシリーズへの交換をお勧めします。
特にツイード期のフェンダーアンプでおなじみのJensenスピーカー。これこそがアメリカンサウンドのみならず、世界のスピーカーの始まりと言って良いでしょう。
Jensenの創始者であるPeter Jensenはデンマークの出身。
1886年に生まれた彼は電話機やラジオの技師として働き23歳でアメリカに渡りカリフォルニアに小さな工房を設立しラジオの送信機などの開発を始めます。
そして1915年、世界で初めてボイスコイルを使用したラウドスピーカーを発明。
発明されたスピーカーは「Magnavox」と名付けられ、民声用あるいは軍事用として全米に広く知れ渡って行きました。
1925年にMagnavox社を離れたJensenはシカゴに移り翌々年の1927年にJensen社を設立。
ここから歴史はスタートします。
後にエミネンスを設立するBob Gaultは元Magnavoxのエンジニアです。
エミネンスはPeter Jensenの死去以降、Jensenに取って代わるかたちでフェンダーのアンプに採用されるようになったメーカーです。
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ちなみにジェンセンのアルニコPシリーズはベースマンやツイン、デラックス等の50年代のフェンダーアンプに実際に採用されていましたが、60年代になるとセラミックであるCシリーズが採用されるようになります。
60年代のトーンが好きな人にはセラミックもいいと思いますが、ツイードの魅力はあくまでアルニコの暴れるようなクランチトーンだと思います。
http://www.electroharmonix.co.jp/jensen/
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ギターアンプにおけるトーンメイキングの最後の要がスピーカーユニットとキャビネットです。
これは係数が固定されたフィルターというか、スペクトルのカーブをスピーカー色に切り取るEQのような役割を果たすので音の印象を大きく変える重要な部分です。
スピーカーケーブルはベルデンの9497がツイードアンプとジェンセンスピーカーの接続にはベストマッチです。
9497は低域がやや弱くなるのですが、ツイードアンプに過度な低域は枯れ具合を損ねる要因にもなるため、多少犠牲になったほうが中高域の音がハッキリ立ってくるので魅力がぐっと増す感じです。
DiezelやMesa Boogieのような重低音の轟音感を売りにしているようなアンプのスピーカー配線は8470のように全帯域がフラットに近い感じで出るケーブルのほうがおすすめです。
いずれにせよ、ブルースデラックスに標準で付いてくるケーブルはなかなかの貧弱さなので、何かに交換するだけで音は良くなったように感じられると思います。
ちなみに愛用するMATCHLESS DC-30は色付けをしたくないためベルデンの8470をつけてます。
quelltllのカッティング系の音はDC-30がメインです。
Ambient Works Book 1
- ソロ楽器のための12曲から構成されるアルバム。環境自体を作るようなインスタレーション的なアンビエントを、サウンドデザイナーのような立場からではなく、あくまで音楽家の立場から、人力演奏の一発録り1トラックで作り上げた12曲。 -
CDアルバムPreludes for Piano Book 1
- ポストヒューマニズムによる伝統的形式の再解釈 -
音楽家・松本昭彦による1stフルアルバム「Preludes for Piano Book 1」。 本作は楽曲ごとに12種類の全く異なる作曲技法を試みたピアノ前奏曲集であり、ピアノ以外の楽器は一切使用していない純粋なピアノ音楽である。
個々の楽曲に通底するものはポストヒューマニズムの志向であり、従来の人間の感覚的特性や身体的特性が暗に導いている音楽的制約を取り払い、コンピューターの演算能力を借りることで、生身の人間だけでは到達しえない地点の音楽を構築し、音楽における人間とコンピューターの関係性を捉え直すことをコンセプトとしている。
1000年以上に渡る西洋芸術音楽の歴史を総括し、ピアノという楽器が生まれるはるか昔に忘れ去られた中世の音楽理論、20世紀後半以降の情報処理技術などをメタレベルで融合させ、ピアノという楽器を拡張するような電子音響処理を施し、プログラミング技術を駆使して楽曲を生成することで、生身の人間の作曲家の思考やピアニズムとは異なる角度から音楽を捉えなおし、新たなピアノ前奏曲集の可能性を模索した12曲。
坂本龍一
これは２１世紀ならではのピアノ前奏曲集だ。しかしこれがピアノの音なのか？不思議だ。
evala
過去1000年にも及ぶ音楽の実験と洗練の歴史を織り込みながら、まるで、まだ見ぬ人工生命が自発的にピアノと戯れているかのような楽曲群。これは最先端の電子音響でも現代音楽でもない。ピアノという楽器がもつ新しいユートピアのかたちだ。その優艶さに、またひとつ音楽の未来が楽しみになった。
藤本隆行（DUMBTYPE, Kinsei R&D）
人間が組織づけた音は、その構造によって人の感情に揺さぶりをかけたり、知的な経験を与えたりする。それを聴く側、つまり「人の心」を理解しようとするときには、乱暴な言い方をすると「精神医学」と「神経科学」の、2つのアプローチがあるように思う。精神分析などを使って迷路の中に踏み込んでいく方法と、脳を含めた身体の働きを、科学（西洋）的に細分化し切り刻んで、関係性を解明していく方法。 そのどちらが正しいのか？というのは、適切な問いの立て方ではない。 現代音楽のセオリーに全く無縁な僕が聴くと、とても饒舌でロマンチックと言ってもいいかと思うこの楽曲群は、実は音楽にとっての「精神医学」と「神経科学」の両方を深く考えた、稀有なバランスの上に成立している。
畠中実（キュレーター、美術／音楽批評）
プリペアド・ピアノは、ピアノの弦の間に異物を挟み込みピアノという楽器固有の音色を異化したものだが、この松本の言う、ピアノ以外の「楽器」は一切使用していない演奏による、12の前奏曲は、いわばコンピュータ・プログラムによってプリペアドされたピアノによる演奏とも言い得るだろうか。それぞれがコンピュータの異なる処理によって拡張されたコンポジションおよび楽器、そして演奏者による新たなピアニズムを模索しているようだ。それは自動筆記的でもあり、また、映像的な喚起力を内包してもいる。
國崎晋（サウンド＆レコーディング・マガジン編集人）
とても複雑な構造から成るピアノは、もっとも完成された楽器として広く知られている。松本はそんな楽器の王様にあたかも初めて接するような態度で臨み、鍵盤を弾くという本来の奏法だけでなく、弦をフィードバックさせたり筐体をたたいたり、どんなアプローチをすればどんな音が出るのかを、ひとつひとつ丁寧に確かめていったのだろう。その結果獲得した幾多の響きを増幅するための作曲技法、音響処理を徹底的に考え抜いて作られたのがこの12の楽曲だ。従来のピアノの枠にとどまらない12の新しい楽器が、それぞれの特性に合わせ極限まで洗練された演奏方法によって奏でられていくさまは、まさに息をのむほど優美なものである。
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