ギターに限らずですが、音というのは耳に近い段ほど、機材の特性が反映されやすいです。
どのスピーカーから鳴らすのか、どの空間で鳴らすのかというのは最も耳に近い段階での音作りになるので、繊細な作業となります。
1dbでもEQを補正すれば劇的に音が変わる世界です。
これは逆に楽器に近い、スピーカーから遠い段でやるほど、あんまり最終的な効果としては分かりにくかったりします。
1dbあげようが下げようが後段の機材でその違いを反映しにくいようなものが挟まっていればあまり意味がない処理になります。
といっても、エレキギターだったらアンプの歪の後ろでやる処理か前でやる処理かというのはEQ一つとっても、歪のキャラクターが全然違ってくるので、耳から遠い段でもすごく重要です。
歪の前のEQは歪みの質感そのものを変化させますが、歪の後ろのEQは質感は同じなままスペクトルバランスだけが変わります。
要はPAっぽい処理ですね。
さて、ギターアンプの音作りで、アンプやキャビネットはそこそこ重視されますが、中に搭載されているスピーカーは案外無視される傾向があります。
しかし、ここは最も耳に近い段での音作りになるので、下手すると一番大きく音の印象が変わる部分でもあります。
以下、スピーカーによる音色の違いを比較した動画を紹介します。
この動画はリベラが作っているスピーカーの比較動画ですが同一条件でスピーカーだけ入れ替えて音を聞き分けるものです。
各メーカーのキャラクターの違いが、とてもわかりやすいのではないでしょうか。
比較スピーカー：
– Celestion Vintage 30
– G12-H30
– K100
– M70
– Seventy 80
– Gold Tone
– Greenback
– G12T-75
– Jensen Alnico 12, JBL M222, EVM12L, Tone Tubby 40/40, Tone Tubby San Rafael 25, Eminence Tonker and Eminence Swamp Thang.
以下は50,60年代のオールドフェンダーが搭載していたJensenのスピーカーの比較です。
セラミックのCシリーズとアルニコのPシリーズの音の違いなどはなかなか勉強になります。
50年代のツイードトーンと呼ばれるチリチリした質感のクランチ〜軽い歪みの音色はアルニコのジェンセンによるものも小さくないことが予想できると思います。
比較スピーカー：
– Jensen Blackbird from the Jet Series
– Jensen C12N Special from the Vintage Ceramic Series
– Jensen Falcon from the Jet Series
– Jensen MOD 12-70 from the MOD Series
– Jensen Tornado from the Jet Series with a Neo Mag magnet.
– Jensen P12N from the Vintage Alnico Series
以下はFenderのホットロッドデラックスを使って、標準搭載のエミネンススピーカーとジェンセンのアルニコスピーカーを比較する動画です。
エミネンスはモダン、ジェンセンはヴィンテージっぽい質感です。
比較スピーカー：
– Eminence Legend 125 50 Watt
– Jensen P12Q
以下はセレッションのアルニコブルーやG12H、Vintage30等の有名スピーカーの比較です。
アルニコブルーはVOX AC30に搭載、Vintage30はマーシャルにも搭載されているもので、スピーカーのキャラがアンプのキャラとけっこうリンクしていることがわかると思います。
比較スピーカー：
CELESTION
Alnico blue
G12H Anniversary
Vintage30
Greenback
G12H 75
以下は27台のセレッションスピーカーの比較です。
1. 1983 G12H-100 1:06
2. 2013 G12K-100 1:39
3. 1973 G12H-30 55Hz T1281, Pulsonic 1:57
4. 2014 G12H-30 55Hz Heritage 2:51
5. 1971 G12H-30 55Hz T1281, Pulsonic (May be Pre Rola) 3:24
6. 1976 G12H-30 55Hz T1281, Kurt Mueller, “Black Back” 3:58
7. 1970 G12M-25 75Hz T1221, Pulsonic, Pre Rola 4:55
8. 1995 G12M-25 75Hz Reissue 6:01
9. 1980 G12-65, 1777 7:13
10. 2014 G12-65 Heritage 7:48
11. 1982 G12-65, 1777 8:23
12. 1971 G12H-30 75Hz, Pulsonic, Pre Rola 8:55
13. 1974 G12H-30 75Hz, Pulsonic, “GreyBack” 10:07
14. 1978 G12-80, 1777 10:41
15. 2014 Classic Lead 80 (G12-80), 1777 11:14
16. 1993 G12-80, 1777 12:11
17. 1965 AlNiCo Silver B025 12:43
18. 1988 Vintage 30, 444 13:40
19. 2013 Vintage 30, 444 14:14
20. 1989 G12M-70 15:07
21. 1987 G12T-75 15:42
22. 2010 G12T-75 16:14
23. 1999 G12T-75 16:49
24. 1979 G12-125 17:22
25. 1991 G12B-150 17:56
26. 1993 G12T-100 18:29
27. G12F-60, RockDriver Junior. 19:02
以上、エフェクター感覚でいろいろ瞬時に入れ替えられたらもっと音作りの自由度が広がるスピーカーによる音作りですが、ピックアップほど大変ではありませんが、すぐには交換できないため、事前の実験や勉強が必要ですね。
CDアルバムPreludes for Piano Book 1発売
- ポストヒューマニズムによる伝統的形式の再解釈 -
音楽家・松本昭彦による1stフルアルバム「Preludes for Piano Book 1」。 本作は楽曲ごとに12種類の全く異なる作曲技法を試みたピアノ前奏曲集であり、ピアノ以外の楽器は一切使用していない純粋なピアノ音楽である。
個々の楽曲に通底するものはポストヒューマニズムの志向であり、従来の人間の感覚的特性や身体的特性が暗に導いている音楽的制約を取り払い、コンピューターの演算能力を借りることで、生身の人間だけでは到達しえない地点の音楽を構築し、音楽における人間とコンピューターの関係性を捉え直すことをコンセプトとしている。
1000年以上に渡る西洋芸術音楽の歴史を総括し、ピアノという楽器が生まれるはるか昔に忘れ去られた中世の音楽理論、20世紀後半以降の情報処理技術などをメタレベルで融合させ、ピアノという楽器を拡張するような電子音響処理を施し、プログラミング技術を駆使して楽曲を生成することで、生身の人間の作曲家の思考やピアニズムとは異なる角度から音楽を捉えなおし、新たなピアノ前奏曲集の可能性を模索した12曲。
坂本龍一
これは２１世紀ならではのピアノ前奏曲集だ。しかしこれがピアノの音なのか？不思議だ。
evala
過去1000年にも及ぶ音楽の実験と洗練の歴史を織り込みながら、まるで、まだ見ぬ人工生命が自発的にピアノと戯れているかのような楽曲群。これは最先端の電子音響でも現代音楽でもない。ピアノという楽器がもつ新しいユートピアのかたちだ。その優艶さに、またひとつ音楽の未来が楽しみになった。
藤本隆行（DUMBTYPE, Kinsei R&D）
人間が組織づけた音は、その構造によって人の感情に揺さぶりをかけたり、知的な経験を与えたりする。それを聴く側、つまり「人の心」を理解しようとするときには、乱暴な言い方をすると「精神医学」と「神経科学」の、2つのアプローチがあるように思う。精神分析などを使って迷路の中に踏み込んでいく方法と、脳を含めた身体の働きを、科学（西洋）的に細分化し切り刻んで、関係性を解明していく方法。 そのどちらが正しいのか？というのは、適切な問いの立て方ではない。 現代音楽のセオリーに全く無縁な僕が聴くと、とても饒舌でロマンチックと言ってもいいかと思うこの楽曲群は、実は音楽にとっての「精神医学」と「神経科学」の両方を深く考えた、稀有なバランスの上に成立している。
畠中実（キュレーター、美術／音楽批評）
プリペアド・ピアノは、ピアノの弦の間に異物を挟み込みピアノという楽器固有の音色を異化したものだが、この松本の言う、ピアノ以外の「楽器」は一切使用していない演奏による、12の前奏曲は、いわばコンピュータ・プログラムによってプリペアドされたピアノによる演奏とも言い得るだろうか。それぞれがコンピュータの異なる処理によって拡張されたコンポジションおよび楽器、そして演奏者による新たなピアニズムを模索しているようだ。それは自動筆記的でもあり、また、映像的な喚起力を内包してもいる。
國崎晋（サウンド＆レコーディング・マガジン編集人）
とても複雑な構造から成るピアノは、もっとも完成された楽器として広く知られている。松本はそんな楽器の王様にあたかも初めて接するような態度で臨み、鍵盤を弾くという本来の奏法だけでなく、弦をフィードバックさせたり筐体をたたいたり、どんなアプローチをすればどんな音が出るのかを、ひとつひとつ丁寧に確かめていったのだろう。その結果獲得した幾多の響きを増幅するための作曲技法、音響処理を徹底的に考え抜いて作られたのがこの12の楽曲だ。従来のピアノの枠にとどまらない12の新しい楽器が、それぞれの特性に合わせ極限まで洗練された演奏方法によって奏でられていくさまは、まさに息をのむほど優美なものである。
