エイジングという言葉はしばしばオーディオマニア界隈ではエージングと表記され、文字どおりAging、つまり時間を経過させる作業を意味します。
ピアノのための楽曲、エレクトロニクスのための作品といった形式は歴史的にしばしば書かれてきましたが、エイジングのためのサウンド作品「White Noise Field」というものを作りました。
人間による機械のための作品です。
『White Noise Field』(2012)
https://gum.co/oHT
音楽は誰のためにあるのか、という問題は時代とともに様々な形へと変遷してきました。
初期の西洋音楽は教会音楽として聖職者によって書かれており、その後は王侯貴族のために書かれた時代、ブルジョワ、中産階級以上に向けて書かれた時代があり、その目的に応じて音楽様式は大きな変遷を辿ってきました。
宗教的なメッセージが複雑なポリフォニーによって阻害されることが問題視されたルネサンス時代後期はパレストリーナ以降の作曲家の作風をいっそうホモフォニックに進めた例もあるように、誰のために音楽を書くのかということは、作家性や個人様式と密接に結びつく問題であり、直接的にサウンドを形作る要因に成り得ます。
現代は大衆のために書かれる現代音楽作品も珍しくは無くなってきました。
資本主義構造の経済活動中のポピュラー音楽は当然利益を求めて大衆に向けて書かれているのですが、現代音楽となると大学や研究機関が予算元となっていたり、誰のために書くのかという部分がポピュラーミュージシャンとは異なります。
中には、人を呼ばなくても良いコンサートやどれだけ売っても赤字になるCDなども存在するのが現代音楽の世界です。
誰に対して音楽を書くのかというのは、必ずしも作家の自由に決定できることばかりではなく、運命のように道が決まってしまっている人もいるので、あまり意識的になっていない作曲家もいます。
しかし、いつの時代のどのジャンルの作品でも総じて多いパターンが、人に対して制作された作品が多いということ。
ここで紹介するエイジングのための「White Noise Field」は人間のために書かれた作品ではありません。
芸術は人間のためだけにあるべきかという人間中心主義的な問題を提起しています。
人間のために作られたものしかアートと呼ばれないのか、それは必要条件であるのか。
人間を対象にする以上、芸術が人間を超える寿命を持ったり人知の及ばない価値を創出したりする可能性も狭められてしまうのではないでしょうか。あらゆる分野で人間中心主義を乗り越えることこそが未来の課題の一つだと思います。
世界は人間だけのためのものではないように、機械やものも人間だけのためと考えるのは一方向的で可能性を狭めてしまう原因になるのではないでしょうか。
効果は別として、植物に音楽を聴かせる人がいますがそれも本気で植物のための曲を書こうとすれば、植物が感じ取れる刺激を波動として表現していくため、人間のために書く音楽とは全く異なるものが仕上がるでしょう。相手が植物だからです。
同じように「White Noise Field」はスピーカーやヘッドフォン、イアフォンのために書かれた作品であり、人間が求める音楽性は考慮していません。
この作品においては、あくまで人間が聴取する行為は副次的なものであり、人間ではなくスピーカーやヘッドフォンといった機械のために作品は書かれています。
この作品の影響によってスピーカーやヘッドフォンといった機械は人間にとって最適な状態にはならないかもしれませんが、機械にとっての最適な状態を目指していることが重要です。
間接的に人間にも何らかの作用をもたらす可能性はありますが、人間無しに自立しているのが「White Noise Field」です。
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White Noise Field (.m4a audio file)
「White Noise Field (.m4a audio file)」 by Akihiko Matsumoto (147MB)
Ambient Works Book 1
- ソロ楽器のための12曲から構成されるアルバム。環境自体を作るようなインスタレーション的なアンビエントを、サウンドデザイナーのような立場からではなく、あくまで音楽家の立場から、人力演奏の一発録り1トラックで作り上げた12曲。 -
CDアルバムPreludes for Piano Book 1
- ポストヒューマニズムによる伝統的形式の再解釈 -
音楽家・松本昭彦による1stフルアルバム「Preludes for Piano Book 1」。 本作は楽曲ごとに12種類の全く異なる作曲技法を試みたピアノ前奏曲集であり、ピアノ以外の楽器は一切使用していない純粋なピアノ音楽である。
個々の楽曲に通底するものはポストヒューマニズムの志向であり、従来の人間の感覚的特性や身体的特性が暗に導いている音楽的制約を取り払い、コンピューターの演算能力を借りることで、生身の人間だけでは到達しえない地点の音楽を構築し、音楽における人間とコンピューターの関係性を捉え直すことをコンセプトとしている。
1000年以上に渡る西洋芸術音楽の歴史を総括し、ピアノという楽器が生まれるはるか昔に忘れ去られた中世の音楽理論、20世紀後半以降の情報処理技術などをメタレベルで融合させ、ピアノという楽器を拡張するような電子音響処理を施し、プログラミング技術を駆使して楽曲を生成することで、生身の人間の作曲家の思考やピアニズムとは異なる角度から音楽を捉えなおし、新たなピアノ前奏曲集の可能性を模索した12曲。
坂本龍一
これは２１世紀ならではのピアノ前奏曲集だ。しかしこれがピアノの音なのか？不思議だ。
evala
過去1000年にも及ぶ音楽の実験と洗練の歴史を織り込みながら、まるで、まだ見ぬ人工生命が自発的にピアノと戯れているかのような楽曲群。これは最先端の電子音響でも現代音楽でもない。ピアノという楽器がもつ新しいユートピアのかたちだ。その優艶さに、またひとつ音楽の未来が楽しみになった。
藤本隆行（DUMBTYPE, Kinsei R&D）
人間が組織づけた音は、その構造によって人の感情に揺さぶりをかけたり、知的な経験を与えたりする。それを聴く側、つまり「人の心」を理解しようとするときには、乱暴な言い方をすると「精神医学」と「神経科学」の、2つのアプローチがあるように思う。精神分析などを使って迷路の中に踏み込んでいく方法と、脳を含めた身体の働きを、科学（西洋）的に細分化し切り刻んで、関係性を解明していく方法。 そのどちらが正しいのか？というのは、適切な問いの立て方ではない。 現代音楽のセオリーに全く無縁な僕が聴くと、とても饒舌でロマンチックと言ってもいいかと思うこの楽曲群は、実は音楽にとっての「精神医学」と「神経科学」の両方を深く考えた、稀有なバランスの上に成立している。
畠中実（キュレーター、美術／音楽批評）
プリペアド・ピアノは、ピアノの弦の間に異物を挟み込みピアノという楽器固有の音色を異化したものだが、この松本の言う、ピアノ以外の「楽器」は一切使用していない演奏による、12の前奏曲は、いわばコンピュータ・プログラムによってプリペアドされたピアノによる演奏とも言い得るだろうか。それぞれがコンピュータの異なる処理によって拡張されたコンポジションおよび楽器、そして演奏者による新たなピアニズムを模索しているようだ。それは自動筆記的でもあり、また、映像的な喚起力を内包してもいる。
國崎晋（サウンド＆レコーディング・マガジン編集人）
とても複雑な構造から成るピアノは、もっとも完成された楽器として広く知られている。松本はそんな楽器の王様にあたかも初めて接するような態度で臨み、鍵盤を弾くという本来の奏法だけでなく、弦をフィードバックさせたり筐体をたたいたり、どんなアプローチをすればどんな音が出るのかを、ひとつひとつ丁寧に確かめていったのだろう。その結果獲得した幾多の響きを増幅するための作曲技法、音響処理を徹底的に考え抜いて作られたのがこの12の楽曲だ。従来のピアノの枠にとどまらない12の新しい楽器が、それぞれの特性に合わせ極限まで洗練された演奏方法によって奏でられていくさまは、まさに息をのむほど優美なものである。
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