現在でこそストラトキャスターはスタンダードな設計のギターとして不動の地位を築いていますが、過去には売り上げが芳しくない時代もあり、常に栄光のギターに君臨していたわけではありませんでした。
もしジミヘンがストラトを使っていなければ、70年代は更にストラトの売り上げは落ちていたでしょう。ラージヘッドで貼りメイプル仕様のストラトの値段が上がるのは、ギターとしての機能ではなくジミヘンの影響なのです。
他にも57年のメイプルネック、アルダーボディーで黒のヴィンテージストラトの値段が高いのはこの仕様のギターをエリック・クラプトンが使用していたからです。
ギターという楽器は同じ名前でも毎年微妙にスペックが変わり、改善もあれば改悪もあり、ワインのヴィンテージのように貴重な年というものが存在します。
昔も今もギターが売れる要因はその品質というより、スターが使っているかどうかです。実際に楽器店で仕事をしていた知り合いの話では、「ジョンフルシアンテが使用！」と書くとエフェクターでもピックでも弦でも跳ぶように売れたそうです。
つまり、その品質で商品を判断出来る本当の耳を持っている人はそう多くは無いので、何らかのお墨付きが必要なんです。
それが、ギターの場合は誰々が使っていたという実績だったりします。
90年代はESPやフェルナンデスもV系ブームと連動して沢山アーティストモデルを出していて、今よりも勢いがありました。
ヴィンテージギター市場でも70年代のストラトの値段が上がらないのは幾つかの要因が考えられます。
・重すぎるホワイトアッシュボディー
・三点止めのネックジョイント
・人気があった60年代のストラトとは角やボディー裏のコンターのシェイプが違い、太い
・塗装がラッカーではなくポリ
・ローパワーでクリアーなピックアップ
・ラージヘッド
・ダイキャストの一体型ブリッジ
指板はラウンドです。
ネックの調整はブレットトラスロッドで行います。
チューニングキーはFマークの入った独特のもの。70年代当時はこれがちゃちく感じられ、交換するのが流行していたようです。
ストリングガイドは1,2弦と3,4弦の2つがあります。
ピックアップセレクターは76年後半から徐々に5点になりハーフトーンが扱えるようになりました。
逆に50,60年代のストラトではハーフトーンはわざとPUセレクターを中間ポジションで止めないと出せませんでした。
ポールピースはフラット。
ネックの仕込み角度を変えるマイクロティルト機構がついているのが70年代ストラトの特徴です。
ボディー裏のスプリングまわりは昔から普遍的です。
このあたりが70年代のストラトの特徴なのですが、人気がある50年代、60年代とは音質的な違いがあるものの、何かが劣っているとすればネックジョイントと塗料くらいでしょうか。
それ以外のスペックの差は品質というより単なる個性であり、好みの問題だと思われます。
実際アッシュは60年代のアルダーより価格が高いです。
僕は父親から引き継いだ77年のストラトを使っているのですが、これがまた異様にフレットがすり減っていて、あるときに何でこんなにフレットが平らなのか聞いてみた所、僕が生まれるよりも前に「裸のラリーズ」のギタリストに何度か貸していた時期があったそうで、戻ってきたらこんなにすり減っていたらしいのです。
いつかyoutubeとかにどんな弾きかたをしてギターが痛んだのかを確認できる映像なんかがアップされたりするんでしょうかね。ユーズドではないのですが、いろいろな歴史をくぐり抜けてきたギターのようです。
さて、この70年代後期のストラトと50年代、60年代のスペックのストラトの優劣をつけることは非常に難しいです。
しかし、音色のバリエーションとしては重要です。特に、ハーフトーンがクリアで80年代的なクリーントーンでのカッティングは60年代のファットなストラトや50年代の枯れたストラトよりも濁りが無く、「ハイファイ」といった印象の音色を作り出すことができます。（と言ってもギターという楽器自体が音響的にかなりローファイですが）
そういった意味ではこの年代のストラトにこだわる人は絶対いると思うんです。しかし、今でも定価くらいで買えます。
そして、このギターも改造出来る箇所は改造しています。
トレモロスプリングはraw vintageに変え、配線材はクロスワイヤーです。配線自体もデヴィッド・ギルモアのようにフロントとリアのミックストーンが出せるように、センタートーンのポットをスイッチポットに変えて、ピックガードもアルミアノダイズドピックガードに変えています。ピックアップはそのまま。
ブリッジはユニット丸ごとフェンダーUSAのスティール製のものに交換しています。
ある意味で、トラディショナルなストラトと70年代のストラトの中間的なスペックになっています。
話は脱線しましたが、結局のところ、ギターの値段が上がらない理由はこの年代のストラトをバリバリ使用しているミュージシャンが極端に少ないからだと思います。
僕が知る限りでも70年代後期のストラトを大々的に使用しているギタリストはU2のエッジくらいです。
有名なギタリストがとりあげない限り、どんなに品質が高くてもギターの価値はなかなか上がらないんです。
FenderとVanzandtの違いはそのあたりではないでしょうか。
質という面で見ればVanzandtはむしろ今のFender以上のギターを作り出していると思います。
それでも人々がFenderを手にする理由は、「何を使うのか」ではなく「誰が使ったのか」という尺度で、ものごとを判断してしまうからではないでしょうか。それは現代人の心の問題でもあるはずです。
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ストラト・セヴンティーズ The Datails & History of FENDER SRTATOCASTER in 1971-1982 (シンコー・ミュージックMOOK YOUNG GUITAR specia)
シンコーミュージック・エンタテイメント 2009-03-25 |
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ストラトキャスター・クロニクルズ トム ホイーラー 大谷 淳 シンコーミュージック 2006-02-01 |
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フェンダー大名鑑 1946-1970 写真でたどるヴィンテージ・ギターとアート・ワーク (P-Vine Books) マーティン・ケリー テリー・フォスター ポール・ケリー スペースシャワーネットワーク 2012-02-17 |
Ambient Works Book 1
- ソロ楽器のための12曲から構成されるアルバム。環境自体を作るようなインスタレーション的なアンビエントを、サウンドデザイナーのような立場からではなく、あくまで音楽家の立場から、人力演奏の一発録り1トラックで作り上げた12曲。 -
CDアルバムPreludes for Piano Book 1
- ポストヒューマニズムによる伝統的形式の再解釈 -
音楽家・松本昭彦による1stフルアルバム「Preludes for Piano Book 1」。 本作は楽曲ごとに12種類の全く異なる作曲技法を試みたピアノ前奏曲集であり、ピアノ以外の楽器は一切使用していない純粋なピアノ音楽である。
個々の楽曲に通底するものはポストヒューマニズムの志向であり、従来の人間の感覚的特性や身体的特性が暗に導いている音楽的制約を取り払い、コンピューターの演算能力を借りることで、生身の人間だけでは到達しえない地点の音楽を構築し、音楽における人間とコンピューターの関係性を捉え直すことをコンセプトとしている。
1000年以上に渡る西洋芸術音楽の歴史を総括し、ピアノという楽器が生まれるはるか昔に忘れ去られた中世の音楽理論、20世紀後半以降の情報処理技術などをメタレベルで融合させ、ピアノという楽器を拡張するような電子音響処理を施し、プログラミング技術を駆使して楽曲を生成することで、生身の人間の作曲家の思考やピアニズムとは異なる角度から音楽を捉えなおし、新たなピアノ前奏曲集の可能性を模索した12曲。
坂本龍一
これは２１世紀ならではのピアノ前奏曲集だ。しかしこれがピアノの音なのか？不思議だ。
evala
過去1000年にも及ぶ音楽の実験と洗練の歴史を織り込みながら、まるで、まだ見ぬ人工生命が自発的にピアノと戯れているかのような楽曲群。これは最先端の電子音響でも現代音楽でもない。ピアノという楽器がもつ新しいユートピアのかたちだ。その優艶さに、またひとつ音楽の未来が楽しみになった。
藤本隆行（DUMBTYPE, Kinsei R&D）
人間が組織づけた音は、その構造によって人の感情に揺さぶりをかけたり、知的な経験を与えたりする。それを聴く側、つまり「人の心」を理解しようとするときには、乱暴な言い方をすると「精神医学」と「神経科学」の、2つのアプローチがあるように思う。精神分析などを使って迷路の中に踏み込んでいく方法と、脳を含めた身体の働きを、科学（西洋）的に細分化し切り刻んで、関係性を解明していく方法。 そのどちらが正しいのか？というのは、適切な問いの立て方ではない。 現代音楽のセオリーに全く無縁な僕が聴くと、とても饒舌でロマンチックと言ってもいいかと思うこの楽曲群は、実は音楽にとっての「精神医学」と「神経科学」の両方を深く考えた、稀有なバランスの上に成立している。
畠中実（キュレーター、美術／音楽批評）
プリペアド・ピアノは、ピアノの弦の間に異物を挟み込みピアノという楽器固有の音色を異化したものだが、この松本の言う、ピアノ以外の「楽器」は一切使用していない演奏による、12の前奏曲は、いわばコンピュータ・プログラムによってプリペアドされたピアノによる演奏とも言い得るだろうか。それぞれがコンピュータの異なる処理によって拡張されたコンポジションおよび楽器、そして演奏者による新たなピアニズムを模索しているようだ。それは自動筆記的でもあり、また、映像的な喚起力を内包してもいる。
國崎晋（サウンド＆レコーディング・マガジン編集人）
とても複雑な構造から成るピアノは、もっとも完成された楽器として広く知られている。松本はそんな楽器の王様にあたかも初めて接するような態度で臨み、鍵盤を弾くという本来の奏法だけでなく、弦をフィードバックさせたり筐体をたたいたり、どんなアプローチをすればどんな音が出るのかを、ひとつひとつ丁寧に確かめていったのだろう。その結果獲得した幾多の響きを増幅するための作曲技法、音響処理を徹底的に考え抜いて作られたのがこの12の楽曲だ。従来のピアノの枠にとどまらない12の新しい楽器が、それぞれの特性に合わせ極限まで洗練された演奏方法によって奏でられていくさまは、まさに息をのむほど優美なものである。
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