ablton Max for Live(M4L)のオーディオプラグインDigital Glitcherを2.0にアップデートしました。
コントロール系統を一新して音作りがしやすくなってます。
1小節の分割数を設定できるので、4拍子系ループに対して3連符や5連符、6連符のタイミングでエフェクトがトリガーされるようにも設定できます。
ゼロ年代はオウテカを筆頭にグリッチサウンドがとにかく流行しました。その流れは最近では音楽のサウンドメイキングにとどまらず、広告のヴィジュアルデザインにまで波及して、デジタル時代のノイズとして一般的な表現になりました。adobe関連でもちらほらグリッチの影響が見られるパッケージデザインがあります。思えば、このブログのデザインもグリッチ的ですね。
さて、アナログ時代のノイズサウンドの代表格といえば、レベルクリップによるディストーション。
波形の上下が切り取られ倍音が強調された音はロックの代名詞的なサウンドです。
これも元々望まれたノイズではなく、PAを通さずにギターの音を会場中に響き渡らせるだけの音量を稼ぐために真空管アンプが悲鳴をあげて歪んでしまったところが原点で、後にそれがかっこいいということになり、今やディストーションがかかっていないギターのほうがかっこ悪いくらいに感じてしまうから、音楽の世界での失敗は実に宝が眠っていると考えられるのではないでしょうか。
一方、グリッチとは回路やコードやデータ上の何らかのエラーによって発生する聴覚的、もしくは視覚的な崩れを意味します。
80年代生まれ世代にはファミコンをやっていて突然音がビーーーーっと鳴り続けたり、画面がギザギザに壊れたりといった現象は子供の頃の思い出に刻まれているかもしれませんが、意図的に創作に活用していた人は当時ほとんどいなかったと思います。
音楽の世界のグリッチだと、フェルトペンで盤面に落書きをし、エラー音を誘発していたOvalのCDスキップが有名でしょうか。
こういったデジタル領域のエラーで発生する音を強制的に作り出してしまおうというのがこのDigital Glitcherの機能です。
こちらのデモムービーではドラムのトラックにDigital Glitcherをかけて、フレーズをリアルタイムにグリッチしてます。
このような音は打ち込みや手作業の切り貼りでやるのは非常に骨の折れる作業です。
グリッチの音色を多用するアーティストの多くはMax/MSPを使ってプログラムで音をリアルタイム処理しています。
abletonはmax for liveというMax/MSPをLive内部で利用できる拡張パックを販売しているので、グリッチ好きなかたはぜひ導入をおすすめします。
https://www.ableton.com/ja/live/max-for-live/
グリッチ感を出すコツは、できるだけ信号の下流にプラグインを置くことだと思います。
コンプよりも手前に置いてしまうときれいに音がまとまってしまって、過激なエラー感が出ません。場合によってはマスタートラックの一番最後に挿すのもいいかもしれません。
その他のM4Lプラグインは以下のサイトにまとめてあります。
デモムービーなどをご覧になればどのような音が作れるかイメージできると思います。
http://akihikomatsumoto.com/download/
Ambient Works Book 1
- ソロ楽器のための12曲から構成されるアルバム。環境自体を作るようなインスタレーション的なアンビエントを、サウンドデザイナーのような立場からではなく、あくまで音楽家の立場から、人力演奏の一発録り1トラックで作り上げた12曲。 -
CDアルバムPreludes for Piano Book 1
- ポストヒューマニズムによる伝統的形式の再解釈 -
音楽家・松本昭彦による1stフルアルバム「Preludes for Piano Book 1」。 本作は楽曲ごとに12種類の全く異なる作曲技法を試みたピアノ前奏曲集であり、ピアノ以外の楽器は一切使用していない純粋なピアノ音楽である。
個々の楽曲に通底するものはポストヒューマニズムの志向であり、従来の人間の感覚的特性や身体的特性が暗に導いている音楽的制約を取り払い、コンピューターの演算能力を借りることで、生身の人間だけでは到達しえない地点の音楽を構築し、音楽における人間とコンピューターの関係性を捉え直すことをコンセプトとしている。
1000年以上に渡る西洋芸術音楽の歴史を総括し、ピアノという楽器が生まれるはるか昔に忘れ去られた中世の音楽理論、20世紀後半以降の情報処理技術などをメタレベルで融合させ、ピアノという楽器を拡張するような電子音響処理を施し、プログラミング技術を駆使して楽曲を生成することで、生身の人間の作曲家の思考やピアニズムとは異なる角度から音楽を捉えなおし、新たなピアノ前奏曲集の可能性を模索した12曲。
坂本龍一
これは２１世紀ならではのピアノ前奏曲集だ。しかしこれがピアノの音なのか？不思議だ。
evala
過去1000年にも及ぶ音楽の実験と洗練の歴史を織り込みながら、まるで、まだ見ぬ人工生命が自発的にピアノと戯れているかのような楽曲群。これは最先端の電子音響でも現代音楽でもない。ピアノという楽器がもつ新しいユートピアのかたちだ。その優艶さに、またひとつ音楽の未来が楽しみになった。
藤本隆行（DUMBTYPE, Kinsei R&D）
人間が組織づけた音は、その構造によって人の感情に揺さぶりをかけたり、知的な経験を与えたりする。それを聴く側、つまり「人の心」を理解しようとするときには、乱暴な言い方をすると「精神医学」と「神経科学」の、2つのアプローチがあるように思う。精神分析などを使って迷路の中に踏み込んでいく方法と、脳を含めた身体の働きを、科学（西洋）的に細分化し切り刻んで、関係性を解明していく方法。 そのどちらが正しいのか？というのは、適切な問いの立て方ではない。 現代音楽のセオリーに全く無縁な僕が聴くと、とても饒舌でロマンチックと言ってもいいかと思うこの楽曲群は、実は音楽にとっての「精神医学」と「神経科学」の両方を深く考えた、稀有なバランスの上に成立している。
畠中実（キュレーター、美術／音楽批評）
プリペアド・ピアノは、ピアノの弦の間に異物を挟み込みピアノという楽器固有の音色を異化したものだが、この松本の言う、ピアノ以外の「楽器」は一切使用していない演奏による、12の前奏曲は、いわばコンピュータ・プログラムによってプリペアドされたピアノによる演奏とも言い得るだろうか。それぞれがコンピュータの異なる処理によって拡張されたコンポジションおよび楽器、そして演奏者による新たなピアニズムを模索しているようだ。それは自動筆記的でもあり、また、映像的な喚起力を内包してもいる。
國崎晋（サウンド＆レコーディング・マガジン編集人）
とても複雑な構造から成るピアノは、もっとも完成された楽器として広く知られている。松本はそんな楽器の王様にあたかも初めて接するような態度で臨み、鍵盤を弾くという本来の奏法だけでなく、弦をフィードバックさせたり筐体をたたいたり、どんなアプローチをすればどんな音が出るのかを、ひとつひとつ丁寧に確かめていったのだろう。その結果獲得した幾多の響きを増幅するための作曲技法、音響処理を徹底的に考え抜いて作られたのがこの12の楽曲だ。従来のピアノの枠にとどまらない12の新しい楽器が、それぞれの特性に合わせ極限まで洗練された演奏方法によって奏でられていくさまは、まさに息をのむほど優美なものである。
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