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未聴の宇宙、作曲の冒険
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国立音楽大学で開かれたインターカレッジコンピュータ音楽コンサートにて作曲家 湯浅譲二先生の特別講演及びコンサートを聞いてきました。
今井慎太郎先生、松田周先生、古川聖先生をはじめホスト校である国立音楽大学、東京藝術大学の関係者のみなさん、当日の音響を担当された有馬純寿先生、さぞかし準備が大変であったかと思われますが、聴衆として非常に有意義なイベントでありかけがえの無い思い出となりました。
貴重な機会をありがとうございました。
今年で生誕80周年を迎える湯浅氏ですが、その芸術への卓越した完成は少しも衰えることがありません。彼は若い頃から30年進んでいる作曲家と言われていたそうですが、まさに彼が60年代にやっていたことは30年時代を先取りしていた部分が少なくありません。
今回、音楽の感想は割愛させていただき、彼の講演、レセプションで直接伺った言葉の中で特に作曲家にとって重要であったものを箇条書きにいたします。
私の記憶から手繰り寄せている言葉なので、言葉づかいや細部は湯浅先生オリジナルのものではありません。
「音楽においていろいろな遊びがあることは良い。ただ遊びには目的がない。目的なき行為を一歩越えることが創造、想像になる。」
「ものを作るにあたってはメディアに則した作り方が適切。」
「古典派の時代はしばしば同じ楽曲でも編成を変えて演奏をすることは普通で、どのようなメディアでも耐えうる作曲法が普通であったが、印象派以降その流れは大きく変わった。音色の重要性が重要になり、トランペットのために書いた曲をバイオリンで演奏しても音楽的にならない作曲法が普通になった。これは現在でも続いている。」
「コンピュータには人間にはできないことをやらせるのが良い」
「シミュレーション、クリエーション、イミテーションは違う。人間にできることをコンピュータにやらせることはシミュレーションにすぎない。」
「1953年にテープ音楽を始めたが、非アカデミックであったため、当初アカデミズムからは若者が好き勝手やっているくらいにしか思われなかった。それも10年活動を続けることでようやく認められ、NHKでの仕事が始まった。」
「ドラマの音楽の仕事を沢山やったが、昔のドラマの音楽は保守的ではなかったので、沢山ミュージックコンクレートなど実験的な音楽を試すことができた。」
「テクノロジーを持ってすればどんなことも出来るが、素材選びは限定する。」
「ホワイトノイズをフィルタリングし特定の周波数を抽出して音楽を作るアプローチであれば、中心周波数周辺の周波数をも含む音響を取り出すことができるので、より楽音に近い響きを得られる。」
「サイン波のように特定の周波数のみしか含まない音響は自然界にはあり得ない現象であり、音楽的ではないと考えた。」
「音響にモジュレーションをかけた場合、ホワイトノイズから抽出した音響であれば複数の周辺周波数を同時に動かすことになり、オーケストラのようなうねりを表現できる。」
「今日の演奏は初演のクオリティに近い音響。」
「音楽とは音響エネルギーの時間的推移。」
「西洋音楽が多くの業績を残せたのは、記譜法があったから。」
「今日の音楽の要素とはピッチ、ダイナミクス、音色、持続から成る。」
「このように音楽を４つの要素に分解して捉える方法は西洋合理主義的であり、日本人はもっと一次元的に音楽を捉える傾向がある。」
「音楽の歴史だけで音楽を考えるのはよくない。」
「コンピュータ音楽は、アナログのテープでできなかったことをやろうと考えた。」
「テープ音楽はピッチとスピードを独立してコントロールすることができなかったので、コンピュータに移行して一番最初に行ったのはピッチとスピードを別々にコントロールすることであった。」
「コンピュータの最初の作品はクロスシンセシスでホワイトノイズと人間の声を合成した作品。」
「人間の声をストレッチし、ホワイトノイズ化させると音声特有のアクセントを消すことができる。」
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湯浅譲二:ピアノ作曲集/テープ音楽集 高橋悠治 コロムビアミュージックエンタテインメント 2009-12-23 |
以下はレセプションパーティーにてCathy Cox先生やJohnathan F. Lee先生と共に日本語英語、そしてお酒も入り乱れたの会話の中で直接伺ったことです。
Q.「湯浅先生の作品を聞き、40年もの色あせを感じなかったのですが、それは我々の音楽は実はこの40年間あまり進歩していなかったということなのでしょうか。」
A.「そういうことです。」
Q.「UCSDで最初に教鞭をふるわれたとき、50年代に日本のアカデミズムから批判されたような障害はあったのでしょうか。」
A.「アメリカでは一切そのようなことはありませんでした。当時のサンディエゴは作曲の中でも最先端のことをやっている学校で、同時期に教鞭を揮っていた作曲家にはブライアンファーニホウなどがいます。ただ、先端の作曲を追求していた学校とはいえ、アカデミズムという場所はどうしても保守的な力が働くので、そういった面での摩擦はありました。」
Q.「最初のコンピュータ音楽作品で、人間の声を使った理由はあるでしょうか。」
A.「人間の声は通常聞いていてもわかりませんが、引き延ばして聞くと実に多彩なピッチの流れがあり、それが音楽的に感じられたからです。」
Q.「ホワイトノイズのイコンを制作された当時、機材の制約があったと思われますが、トータルでどれくらいの制作時間がかかったでしょうか。」
A.「当時は25チャンネルのミキサーを制御する必要があり、それらを意図的に操作するには複数人のエンジニアが同時にフェーダー操作をする必要があったのですが、そのために簡単なコンピュータプログラムを書き、オートメーションを実行しました。当時NHKでは勤務時間などの規定も緩かったため、毎日朝四時まで作業をすることが5か月続き作品が完成しました。」
Q.「当時どのような機材とアプローチでホワイトノイズを削っていたのでしょうか。」
A.「アナログの1/3オクターブフィルターがかかったホワイトノイズを録音し、テープの再生速度を変え、更にフィルターをかけ、レゾネーターを通すことでフィルターの特性を鋭くさせたりしていました。」
湯浅譲二先生のホワイトノイズを使った音響技法をFFTを使って再現する方法を解説しました。
http://akihikomatsumoto.com/maxmsp/joji.html
Max/MSPパッチもダウンロード可能です。
Ambient Works Book 1
- ソロ楽器のための12曲から構成されるアルバム。環境自体を作るようなインスタレーション的なアンビエントを、サウンドデザイナーのような立場からではなく、あくまで音楽家の立場から、人力演奏の一発録り1トラックで作り上げた12曲。 -
CDアルバムPreludes for Piano Book 1
- ポストヒューマニズムによる伝統的形式の再解釈 -
音楽家・松本昭彦による1stフルアルバム「Preludes for Piano Book 1」。 本作は楽曲ごとに12種類の全く異なる作曲技法を試みたピアノ前奏曲集であり、ピアノ以外の楽器は一切使用していない純粋なピアノ音楽である。
個々の楽曲に通底するものはポストヒューマニズムの志向であり、従来の人間の感覚的特性や身体的特性が暗に導いている音楽的制約を取り払い、コンピューターの演算能力を借りることで、生身の人間だけでは到達しえない地点の音楽を構築し、音楽における人間とコンピューターの関係性を捉え直すことをコンセプトとしている。
1000年以上に渡る西洋芸術音楽の歴史を総括し、ピアノという楽器が生まれるはるか昔に忘れ去られた中世の音楽理論、20世紀後半以降の情報処理技術などをメタレベルで融合させ、ピアノという楽器を拡張するような電子音響処理を施し、プログラミング技術を駆使して楽曲を生成することで、生身の人間の作曲家の思考やピアニズムとは異なる角度から音楽を捉えなおし、新たなピアノ前奏曲集の可能性を模索した12曲。
坂本龍一
これは２１世紀ならではのピアノ前奏曲集だ。しかしこれがピアノの音なのか？不思議だ。
evala
過去1000年にも及ぶ音楽の実験と洗練の歴史を織り込みながら、まるで、まだ見ぬ人工生命が自発的にピアノと戯れているかのような楽曲群。これは最先端の電子音響でも現代音楽でもない。ピアノという楽器がもつ新しいユートピアのかたちだ。その優艶さに、またひとつ音楽の未来が楽しみになった。
藤本隆行（DUMBTYPE, Kinsei R&D）
人間が組織づけた音は、その構造によって人の感情に揺さぶりをかけたり、知的な経験を与えたりする。それを聴く側、つまり「人の心」を理解しようとするときには、乱暴な言い方をすると「精神医学」と「神経科学」の、2つのアプローチがあるように思う。精神分析などを使って迷路の中に踏み込んでいく方法と、脳を含めた身体の働きを、科学（西洋）的に細分化し切り刻んで、関係性を解明していく方法。 そのどちらが正しいのか？というのは、適切な問いの立て方ではない。 現代音楽のセオリーに全く無縁な僕が聴くと、とても饒舌でロマンチックと言ってもいいかと思うこの楽曲群は、実は音楽にとっての「精神医学」と「神経科学」の両方を深く考えた、稀有なバランスの上に成立している。
畠中実（キュレーター、美術／音楽批評）
プリペアド・ピアノは、ピアノの弦の間に異物を挟み込みピアノという楽器固有の音色を異化したものだが、この松本の言う、ピアノ以外の「楽器」は一切使用していない演奏による、12の前奏曲は、いわばコンピュータ・プログラムによってプリペアドされたピアノによる演奏とも言い得るだろうか。それぞれがコンピュータの異なる処理によって拡張されたコンポジションおよび楽器、そして演奏者による新たなピアニズムを模索しているようだ。それは自動筆記的でもあり、また、映像的な喚起力を内包してもいる。
國崎晋（サウンド＆レコーディング・マガジン編集人）
とても複雑な構造から成るピアノは、もっとも完成された楽器として広く知られている。松本はそんな楽器の王様にあたかも初めて接するような態度で臨み、鍵盤を弾くという本来の奏法だけでなく、弦をフィードバックさせたり筐体をたたいたり、どんなアプローチをすればどんな音が出るのかを、ひとつひとつ丁寧に確かめていったのだろう。その結果獲得した幾多の響きを増幅するための作曲技法、音響処理を徹底的に考え抜いて作られたのがこの12の楽曲だ。従来のピアノの枠にとどまらない12の新しい楽器が、それぞれの特性に合わせ極限まで洗練された演奏方法によって奏でられていくさまは、まさに息をのむほど優美なものである。
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