学生時代に受けた玉川大学の高岡先生の音楽論概説の授業のテーマでした。シラバス
それは現在の自分の音楽観の基盤になる大変重要な授業で、「 現代の音楽理論研究の成果に基づき、音楽の諸相について考察を加える。特に、音楽が音楽であるために必要な条件とは何か、現代の認知科学的な観点から考察する。」という授業の概要が提示されています。
音を楽しむから音楽であるという意見がありますが、music、musicaには楽しむという意味はありません。
この授業は論理的に、科学的に音楽が満たすべき条件を考えた初めての機会でした。
特に、哲学でも修士を持ち、作曲で博士を持ち、和声学やコンピュータ音楽の授業でも教鞭を揮われていた高岡先生の授業は大変密度が濃く、説得力がありました。とてもじゃないけど音楽のみの専門家の音大の先生にはできないような授業でした。作曲のレッスンよりも強い影響を受けたと言っても過言ではないです。
キーワードだけ見てもチョムスキーの生成文法の音楽への適用、 ダイアトニック音階の代数学的構造と認知との関係、音楽的対象を言葉で指示することの問題点、ピッチクラス集合論を使ったWebernのOP.27の分析、シェンカー理論、GTTM、
ユージン・ナームア、レナード・マイヤーの音楽意味論、コンピュータによる自動作曲研究の方法と成果そしてその意義を理解するなどなかなか通常の音楽大学では学べないような音楽学、音楽理論に触れることができました。
それまで自分は、音楽は表現であり、意味を付けて提示した音響は全て音楽と考えていましたが
David Copeのように、ある様式の範囲内では既存の作曲家と同等の自動作曲が可能なアルゴリズミックコンポジションを行えるようになり、楽器法の制約から解放されてコンピュータがどのような音響も合成できるようになった今、どういった音響現象が音楽/非音楽の音響芸術、または雑音に分類されるべきか、作曲家は深く考える必要があると思いました。
当時の期末試験の内容は"4:33"…John Cageは音楽と言えるかを論述するもの。
みなさんは、どう説明しますか。
音響彫刻/サウンドインスタレーションやサウンドアートは音楽ではありませんが音を扱う芸術です。
ターニングポイントはやはりJohn Cageにあると思います。
彼は音楽とは何かを最も探求した作曲家の一人です。
CDアルバムPreludes for Piano Book 1発売
- ポストヒューマニズムによる伝統的形式の再解釈 -
音楽家・松本昭彦による1stフルアルバム「Preludes for Piano Book 1」。 本作は楽曲ごとに12種類の全く異なる作曲技法を試みたピアノ前奏曲集であり、ピアノ以外の楽器は一切使用していない純粋なピアノ音楽である。
個々の楽曲に通底するものはポストヒューマニズムの志向であり、従来の人間の感覚的特性や身体的特性が暗に導いている音楽的制約を取り払い、コンピューターの演算能力を借りることで、生身の人間だけでは到達しえない地点の音楽を構築し、音楽における人間とコンピューターの関係性を捉え直すことをコンセプトとしている。
1000年以上に渡る西洋芸術音楽の歴史を総括し、ピアノという楽器が生まれるはるか昔に忘れ去られた中世の音楽理論、20世紀後半以降の情報処理技術などをメタレベルで融合させ、ピアノという楽器を拡張するような電子音響処理を施し、プログラミング技術を駆使して楽曲を生成することで、生身の人間の作曲家の思考やピアニズムとは異なる角度から音楽を捉えなおし、新たなピアノ前奏曲集の可能性を模索した12曲。
坂本龍一
これは２１世紀ならではのピアノ前奏曲集だ。しかしこれがピアノの音なのか？不思議だ。
evala
過去1000年にも及ぶ音楽の実験と洗練の歴史を織り込みながら、まるで、まだ見ぬ人工生命が自発的にピアノと戯れているかのような楽曲群。これは最先端の電子音響でも現代音楽でもない。ピアノという楽器がもつ新しいユートピアのかたちだ。その優艶さに、またひとつ音楽の未来が楽しみになった。
藤本隆行（DUMBTYPE, Kinsei R&D）
人間が組織づけた音は、その構造によって人の感情に揺さぶりをかけたり、知的な経験を与えたりする。それを聴く側、つまり「人の心」を理解しようとするときには、乱暴な言い方をすると「精神医学」と「神経科学」の、2つのアプローチがあるように思う。精神分析などを使って迷路の中に踏み込んでいく方法と、脳を含めた身体の働きを、科学（西洋）的に細分化し切り刻んで、関係性を解明していく方法。 そのどちらが正しいのか？というのは、適切な問いの立て方ではない。 現代音楽のセオリーに全く無縁な僕が聴くと、とても饒舌でロマンチックと言ってもいいかと思うこの楽曲群は、実は音楽にとっての「精神医学」と「神経科学」の両方を深く考えた、稀有なバランスの上に成立している。
畠中実（キュレーター、美術／音楽批評）
プリペアド・ピアノは、ピアノの弦の間に異物を挟み込みピアノという楽器固有の音色を異化したものだが、この松本の言う、ピアノ以外の「楽器」は一切使用していない演奏による、12の前奏曲は、いわばコンピュータ・プログラムによってプリペアドされたピアノによる演奏とも言い得るだろうか。それぞれがコンピュータの異なる処理によって拡張されたコンポジションおよび楽器、そして演奏者による新たなピアニズムを模索しているようだ。それは自動筆記的でもあり、また、映像的な喚起力を内包してもいる。
國崎晋（サウンド＆レコーディング・マガジン編集人）
とても複雑な構造から成るピアノは、もっとも完成された楽器として広く知られている。松本はそんな楽器の王様にあたかも初めて接するような態度で臨み、鍵盤を弾くという本来の奏法だけでなく、弦をフィードバックさせたり筐体をたたいたり、どんなアプローチをすればどんな音が出るのかを、ひとつひとつ丁寧に確かめていったのだろう。その結果獲得した幾多の響きを増幅するための作曲技法、音響処理を徹底的に考え抜いて作られたのがこの12の楽曲だ。従来のピアノの枠にとどまらない12の新しい楽器が、それぞれの特性に合わせ極限まで洗練された演奏方法によって奏でられていくさまは、まさに息をのむほど優美なものである。
