Fenderのストラトキャスターというギターは様々な部品が使われており、部品が多いせいか、それらをカスタマイズすることでどんどん音が変わるため、好みの音色に向かってチューンナップしていくことができます。
エレキギターの面白さは、楽器作り（改造）、音作り、演奏の境界が曖昧で、音楽を作るためにミクロな部分から関与できることです。
ピアノで音楽を作る場合はこうはいきません。
数あるストラトの部品の中でも、トレモロユニットを支えるスプリングは実は音色を決定付ける大きな要因になったりします。
といっても、ボディー材やピックアップを変えたときほどは変わりませんが。
まず、トレモロスプリングを変えると生音で聴いて分かる程音量が変わります。
ストラトはトレモロユニットを安定させるために、裏側のスプリングでブリッジを引っ張っていいるのですが、このスプリングは当然弦の振動を受けて振動します。
その振動がまた弦にフィードバックされ振動するので、スプリングリバーブ効果があります。
音色が変わる理由はスプリングが変化することによってテンションが変わり、響きが変わるだけでなく、スプリングリバーブのリバーブ音の音色が違ってくるという面も大きいです。
80年代のLAメタル系のギタリストはこの鳴りが嫌でスポンジを挟んでミュートしてしまうケースもあるようですが、せっかくのストラトの個性です。生かしてみるのもいいと思います。
トレモロスプリングは各社から出ていますが、特に音色にこだわってスプリングを作っているのがRaw VintageとESPです。
上の写真はRaw VintageとESPの比較です。
ESPのほうがだいぶ色が濃いです。
今回はボディーもネックもウォルナット製という貴重なJapan Fenderのストラトを入手し、これまで使っていたギターに搭載しているRaw Vintageには大満足していたのですが、更なる音色のバリエーションを求めてESPに挑戦しています。
Raw Vintageの特徴については以前書いた通りです。
Raw Vintage ストラトのトレモロスプリングを改造
http://akihikomatsumoto.com/blog/?p=54
今回、ESPのトレモロトーンスプリング Type1を試してみました。
Raw Vintageとの違いについて探ってみます。
まず、外見はこのようなパッケージです。
ハデなアメリカンデザインのRaw Vintageに比べて工場っぽいイメージです。
付属するスプリングは5本。
それぞれパッケージングされています。
このスプリングは4本、5本で使用することが推奨されています。
色はさびたブロンズのような独特のオールド感があるのですが、音はそれほどオールドな印象ではないです。
ESPの職人さんに伺ったところ、Raw Vintageが明確にオールドギターの響きを追求しているのに対して、ESPのほうはESPのオリジナルギターに代表されるようなモダンでハイファイ、ハイゲインなギターの音にマッチすると言えるそうです。
実際ESPのギターには標準で搭載されています。
ちなみにこれはType1ですが、Type2はもう少し径が太く、ハイミッドの音域に特化して作ったとの触れ込みです。
実際の話では、フロイドローズ系のロック式トレモロのために作ったような部分もあるそうです。
しばしばネットの情報などを見てみると、フロイドローズだとType1の場合調整が難しいようです。
装着した感想は、Raw Vintage同様、ノーマルのスプリングより音が良くなります。
音が良いというのは主観的な表現ですが、おそらく誰もがそう感じると思います。
まず、生音で弾いただけでも音量が大きくなっていることがわかります。
Raw Vintageの音色と比較すると、ESPのほうが低音が出ます。
ハイミッドあたりのジャリーンという輝くようなFender独特の響きはRaw Vintageのほうが出ます。
ある意味、ESPのトレモロスプリングはクセの無い音と言えます。
フラットに近い印象がESPです。
どちらが良いとかではないので、目指す音の方向性に応じて選択すればいいと思います。
どちらも、音が変わるって意味では同じくらいの変化があります。
ESPのトレモロスプリングはType1と2は組み合わせて、交互に入れたり、それぞれの本数を調整することで音色の微調整が可能でそういう使い方をしている人も沢山います。
そんなに高いパーツではないので、いろいろ試してみるのも面白いと思います。
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音楽家・松本昭彦による1stフルアルバム「Preludes for Piano Book 1」。 本作は楽曲ごとに12種類の全く異なる作曲技法を試みたピアノ前奏曲集であり、ピアノ以外の楽器は一切使用していない純粋なピアノ音楽である。
個々の楽曲に通底するものはポストヒューマニズムの志向であり、従来の人間の感覚的特性や身体的特性が暗に導いている音楽的制約を取り払い、コンピューターの演算能力を借りることで、生身の人間だけでは到達しえない地点の音楽を構築し、音楽における人間とコンピューターの関係性を捉え直すことをコンセプトとしている。
1000年以上に渡る西洋芸術音楽の歴史を総括し、ピアノという楽器が生まれるはるか昔に忘れ去られた中世の音楽理論、20世紀後半以降の情報処理技術などをメタレベルで融合させ、ピアノという楽器を拡張するような電子音響処理を施し、プログラミング技術を駆使して楽曲を生成することで、生身の人間の作曲家の思考やピアニズムとは異なる角度から音楽を捉えなおし、新たなピアノ前奏曲集の可能性を模索した12曲。
坂本龍一
これは２１世紀ならではのピアノ前奏曲集だ。しかしこれがピアノの音なのか？不思議だ。
evala
過去1000年にも及ぶ音楽の実験と洗練の歴史を織り込みながら、まるで、まだ見ぬ人工生命が自発的にピアノと戯れているかのような楽曲群。これは最先端の電子音響でも現代音楽でもない。ピアノという楽器がもつ新しいユートピアのかたちだ。その優艶さに、またひとつ音楽の未来が楽しみになった。
藤本隆行（DUMBTYPE, Kinsei R&D）
人間が組織づけた音は、その構造によって人の感情に揺さぶりをかけたり、知的な経験を与えたりする。それを聴く側、つまり「人の心」を理解しようとするときには、乱暴な言い方をすると「精神医学」と「神経科学」の、2つのアプローチがあるように思う。精神分析などを使って迷路の中に踏み込んでいく方法と、脳を含めた身体の働きを、科学（西洋）的に細分化し切り刻んで、関係性を解明していく方法。 そのどちらが正しいのか？というのは、適切な問いの立て方ではない。 現代音楽のセオリーに全く無縁な僕が聴くと、とても饒舌でロマンチックと言ってもいいかと思うこの楽曲群は、実は音楽にとっての「精神医学」と「神経科学」の両方を深く考えた、稀有なバランスの上に成立している。
畠中実（キュレーター、美術／音楽批評）
プリペアド・ピアノは、ピアノの弦の間に異物を挟み込みピアノという楽器固有の音色を異化したものだが、この松本の言う、ピアノ以外の「楽器」は一切使用していない演奏による、12の前奏曲は、いわばコンピュータ・プログラムによってプリペアドされたピアノによる演奏とも言い得るだろうか。それぞれがコンピュータの異なる処理によって拡張されたコンポジションおよび楽器、そして演奏者による新たなピアニズムを模索しているようだ。それは自動筆記的でもあり、また、映像的な喚起力を内包してもいる。
國崎晋（サウンド＆レコーディング・マガジン編集人）
とても複雑な構造から成るピアノは、もっとも完成された楽器として広く知られている。松本はそんな楽器の王様にあたかも初めて接するような態度で臨み、鍵盤を弾くという本来の奏法だけでなく、弦をフィードバックさせたり筐体をたたいたり、どんなアプローチをすればどんな音が出るのかを、ひとつひとつ丁寧に確かめていったのだろう。その結果獲得した幾多の響きを増幅するための作曲技法、音響処理を徹底的に考え抜いて作られたのがこの12の楽曲だ。従来のピアノの枠にとどまらない12の新しい楽器が、それぞれの特性に合わせ極限まで洗練された演奏方法によって奏でられていくさまは、まさに息をのむほど優美なものである。
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