音楽の楽譜には長い歴史があり、演奏や録音とは違い、記号として時代とともに発展を遂げてきました。
録音された音楽は絶対的なデータであり、演奏の解釈という余地はありません。
しかし、楽譜には演奏解釈があります。
その時代時代に合わせて、楽曲の演奏は微妙に変化する余地を残しているのです。
例えばバッハの時代にはピアノはありませんでしたが、現在バッハの鍵盤楽器のための作品はチェンバロよりもピアノで演奏されることが圧倒的に多いです。
オーケストラのチューニングもA=430Hz付近の時代もあれば、442Hzで演奏される時期もあります。
作曲された作品にそこまで細かい指示があれば、それは従わなければ音楽ではなくなってしまいますが
指示を壊さない範囲では音楽は自由に演奏ができるのです。
しかし、デジタル以降の音楽はどうでしょうか。
生演奏の楽曲は別として、電子音響音楽やコンピュータ音楽、テクノ、エレクトロニカ等のデジタル音楽はデータとして完全に固定的であり、テープ音楽作品の演奏でできる解釈の余地は少ないのです。
テンポやチューニングを変えることもできませんし、スピーカーや音響機器など下流のシステムをその場に最適化するくらいしかできることがありません。
しかし、僕が提唱したいのは、音楽のデジタルデータの再生方法は準方向の1.0倍のスピードという固定観念に捕われる必要は無いのではということです。
デジタル音楽を配信しているクリエイターも、それをどのような環境でどのように再生しろとは指定している例は少ないでしょう。
PCM2chにミックスされたデジタル音楽であっても、CDであれば44100サンプルの記号が一秒間に詰まっています。これは現代の楽譜と考えることもできるのではないでしょうか。
となれば、やりたくなるのが音楽の変奏。
変奏は、英語で言うところのバリエーション。リズム、メロディー、音色、和声に変化を加えたり、さまざまな装飾を施し音楽にバリエーションを与えるものです。
変奏は原曲にオリジナリティーがある編曲、アレンジとは異なり、変奏に最大のオリジナリティーがあります。
つまり、サウンドファイルを変奏するということは原曲の再生以上のクリエイティビティーが潜んでいる可能性があるのです。
サンプリングや編曲とは全く違った音楽ファイルの未知の可能性を開拓することが狙いです。
このシリーズはいくつも作りためているものがあるので、追々リリースしていきます。
Generative Sound for OSXはMac OSXのためのソフトウェアですが、単体では何も音を発しません。
サウンドファイルをドラッグドロップすると自動的に変奏が始まります。
この作品ではサウンドファイルの響きを元に永遠に終わりが無い音響を生成します。ブライアンイーノの生成音楽やアルゴリズミックコンポジション的な着眼点ではありますが、音符の生成やシンセシスは使用せずに音響処理によって音楽が生成されていきます。
Max/MSPでgen~を使うようになってから感じるようになったのですが、音色と音楽の違いは実はあまり無いのではないかということ。
音楽と音色はどのスケールで見るかという違いなだけで、音色を作るためにアルゴリズムを組んだり、倍音一つ一つの構成方法をミクロにデザインしていくことは、超多声的な作曲みたいなものという感覚があります。
楽譜と楽器という関係のモデルを前提に音楽を捉えると記号としての音符とそれをリアライズするための音色という関係に捕われてしまうのですが
アルゴリズミックに作曲も音響合成もする場合、どこからが音符でどこからが音色という境界は存在しないので音楽を作るというのはどういうことなのか、作曲の概念を拡張することに繋がっています。
メタ的に構想されたこのプログラムでは、どのようなサウンドファイルをインプットするかで、アウトプットされる音楽は無限のバリエーションがあるため最終的な出力は作者である私本人にもわかりません。
youtubeのデモ映像を見れば、サウンドファイルと出力される音楽の関係がわかると思います。
購入はオンライン決済システムのGumroadから可能です。
http://gum.co/cweC
その他のM4Lプラグインは以下のサイトにまとめてあります。
デモムービーなどをご覧になればどのような音が作れるかイメージできると思います。
http://akihikomatsumoto.com/download/
Ambient Works Book 1
- ソロ楽器のための12曲から構成されるアルバム。環境自体を作るようなインスタレーション的なアンビエントを、サウンドデザイナーのような立場からではなく、あくまで音楽家の立場から、人力演奏の一発録り1トラックで作り上げた12曲。 -
CDアルバムPreludes for Piano Book 1
- ポストヒューマニズムによる伝統的形式の再解釈 -
音楽家・松本昭彦による1stフルアルバム「Preludes for Piano Book 1」。 本作は楽曲ごとに12種類の全く異なる作曲技法を試みたピアノ前奏曲集であり、ピアノ以外の楽器は一切使用していない純粋なピアノ音楽である。
個々の楽曲に通底するものはポストヒューマニズムの志向であり、従来の人間の感覚的特性や身体的特性が暗に導いている音楽的制約を取り払い、コンピューターの演算能力を借りることで、生身の人間だけでは到達しえない地点の音楽を構築し、音楽における人間とコンピューターの関係性を捉え直すことをコンセプトとしている。
1000年以上に渡る西洋芸術音楽の歴史を総括し、ピアノという楽器が生まれるはるか昔に忘れ去られた中世の音楽理論、20世紀後半以降の情報処理技術などをメタレベルで融合させ、ピアノという楽器を拡張するような電子音響処理を施し、プログラミング技術を駆使して楽曲を生成することで、生身の人間の作曲家の思考やピアニズムとは異なる角度から音楽を捉えなおし、新たなピアノ前奏曲集の可能性を模索した12曲。
坂本龍一
これは２１世紀ならではのピアノ前奏曲集だ。しかしこれがピアノの音なのか？不思議だ。
evala
過去1000年にも及ぶ音楽の実験と洗練の歴史を織り込みながら、まるで、まだ見ぬ人工生命が自発的にピアノと戯れているかのような楽曲群。これは最先端の電子音響でも現代音楽でもない。ピアノという楽器がもつ新しいユートピアのかたちだ。その優艶さに、またひとつ音楽の未来が楽しみになった。
藤本隆行（DUMBTYPE, Kinsei R&D）
人間が組織づけた音は、その構造によって人の感情に揺さぶりをかけたり、知的な経験を与えたりする。それを聴く側、つまり「人の心」を理解しようとするときには、乱暴な言い方をすると「精神医学」と「神経科学」の、2つのアプローチがあるように思う。精神分析などを使って迷路の中に踏み込んでいく方法と、脳を含めた身体の働きを、科学（西洋）的に細分化し切り刻んで、関係性を解明していく方法。 そのどちらが正しいのか？というのは、適切な問いの立て方ではない。 現代音楽のセオリーに全く無縁な僕が聴くと、とても饒舌でロマンチックと言ってもいいかと思うこの楽曲群は、実は音楽にとっての「精神医学」と「神経科学」の両方を深く考えた、稀有なバランスの上に成立している。
畠中実（キュレーター、美術／音楽批評）
プリペアド・ピアノは、ピアノの弦の間に異物を挟み込みピアノという楽器固有の音色を異化したものだが、この松本の言う、ピアノ以外の「楽器」は一切使用していない演奏による、12の前奏曲は、いわばコンピュータ・プログラムによってプリペアドされたピアノによる演奏とも言い得るだろうか。それぞれがコンピュータの異なる処理によって拡張されたコンポジションおよび楽器、そして演奏者による新たなピアニズムを模索しているようだ。それは自動筆記的でもあり、また、映像的な喚起力を内包してもいる。
國崎晋（サウンド＆レコーディング・マガジン編集人）
とても複雑な構造から成るピアノは、もっとも完成された楽器として広く知られている。松本はそんな楽器の王様にあたかも初めて接するような態度で臨み、鍵盤を弾くという本来の奏法だけでなく、弦をフィードバックさせたり筐体をたたいたり、どんなアプローチをすればどんな音が出るのかを、ひとつひとつ丁寧に確かめていったのだろう。その結果獲得した幾多の響きを増幅するための作曲技法、音響処理を徹底的に考え抜いて作られたのがこの12の楽曲だ。従来のピアノの枠にとどまらない12の新しい楽器が、それぞれの特性に合わせ極限まで洗練された演奏方法によって奏でられていくさまは、まさに息をのむほど優美なものである。
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