昨今、デジタルのポータブルレコーダーが手頃な値段で各社から出ている影響からか、フィールドレコーディングを行う音楽関係者は増えました。
その用途は多種多様。
大まかに以下の使われかたがあると思います。
1. 楽器の演奏、練習を収録する
2. ミュージックコンクレート / アクースマティック音楽の素材として非楽音の音響を収集する
3. 自然界の様々な響きを録音する
4. 電車愛好家による走行音の収録
音を収録するとはいえ、実に多様な使われかたがあり
ちょうどカメラと似たような存在なのではないでしょうか。
風景、もしくは特定の被写体にマイクを向けてある時刻の音を刻む。
そのようなことが手軽にできるポータブルレコーダーが簡単に入手できるようになった現在、プロもアマチュアも様々な音響を記録していると思います。
それこそ、自宅で高級オーディオで鑑賞する人もいれば、コンピュータの処理によって原型を留めないほど全く別の素材に作り替えて自分の音楽の一部に吸収する人もいます。
しかし、特に音楽を作ったり演奏していたりする人がフィールドレコーディングを通じて得られる最も重要なことは、聴覚が敏感になるということではないでしょうか。
録音をするということはその対象の音だけに神経を集中させて音を聞くということです。
楽器の演奏家が練習を録音するということは、後で鑑賞するためではなく、演奏行為中は演奏に付随する指や腕などの身体的運動にそれなりに神経を使うため、聴くことだけに脳を集中させることが難しいという理由もあります。
これは屋外でのフィールドレコーディングでもスタジオでのレコーディングでも変わりません。
通常とは違った意識で音を聴くことでこれまで聴こえなかった音が聴こえるようになります。
クラシック音楽において和声を学習すると聴こえなかった内声の動きが聴こえるようになることと同様、フィールドレコーディングを体験すると世の中には実に様々な音が溢れていて
時にはそれがノイズ（例えば静かな音楽演奏における空調の音等）として煩わしいことにあらためて気付いたり
バックグラウンドに埋もれつつも魅力的な音響（フィールドを360度包囲する虫の鳴き声等）を発見することもあるでしょう。
そして、それを体験して以降は日常生活においても音そのものへの意識が敏感になり、様々な音表現のアイデアがわき起こってきたりします。
デザイナーやアーティストが普段実にものをよく見ていて、それを制作の糧としているように、音楽を作る人間も日常の音をいかにとりこぼさずに聴き、それを制作の糧とできるかが肝なのではないかと思います。
音は時間と空間を持っています。
時間に対する変化、空間的な音源の配置等はフィールドレコーディングをしていて意識が高まりますが、そのまま作曲の形式、オーケストレーション、ミキシングを自然界が生成していると考えることも可能でしょう。そして、それを全く別の音色や楽器で再現することも十分な訓練になります。
フィールドレコーディングを続けていれば、素材のコレクションはどんどんと蓄積していって、デジタルサウンドファイルは様々な場面で利用できるでしょうが、そういった物的な価値以上に、外界に聴覚を研ぎすませることができるという意味では、特に素材を集めていなかったり、何に使う用途も無いという音楽家でも意味のある活動となると思います。
僕もフィールドレコーディングした素材を元に、Max/MSPで独自の音響処理をし新たな素材を生成したりしています。
このような音響はフィールドレコーディング無しには作り得なかったと思います。
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Ambient Works Book 1
- ソロ楽器のための12曲から構成されるアルバム。環境自体を作るようなインスタレーション的なアンビエントを、サウンドデザイナーのような立場からではなく、あくまで音楽家の立場から、人力演奏の一発録り1トラックで作り上げた12曲。 -
CDアルバムPreludes for Piano Book 1
- ポストヒューマニズムによる伝統的形式の再解釈 -
音楽家・松本昭彦による1stフルアルバム「Preludes for Piano Book 1」。 本作は楽曲ごとに12種類の全く異なる作曲技法を試みたピアノ前奏曲集であり、ピアノ以外の楽器は一切使用していない純粋なピアノ音楽である。
個々の楽曲に通底するものはポストヒューマニズムの志向であり、従来の人間の感覚的特性や身体的特性が暗に導いている音楽的制約を取り払い、コンピューターの演算能力を借りることで、生身の人間だけでは到達しえない地点の音楽を構築し、音楽における人間とコンピューターの関係性を捉え直すことをコンセプトとしている。
1000年以上に渡る西洋芸術音楽の歴史を総括し、ピアノという楽器が生まれるはるか昔に忘れ去られた中世の音楽理論、20世紀後半以降の情報処理技術などをメタレベルで融合させ、ピアノという楽器を拡張するような電子音響処理を施し、プログラミング技術を駆使して楽曲を生成することで、生身の人間の作曲家の思考やピアニズムとは異なる角度から音楽を捉えなおし、新たなピアノ前奏曲集の可能性を模索した12曲。
坂本龍一
これは２１世紀ならではのピアノ前奏曲集だ。しかしこれがピアノの音なのか？不思議だ。
evala
過去1000年にも及ぶ音楽の実験と洗練の歴史を織り込みながら、まるで、まだ見ぬ人工生命が自発的にピアノと戯れているかのような楽曲群。これは最先端の電子音響でも現代音楽でもない。ピアノという楽器がもつ新しいユートピアのかたちだ。その優艶さに、またひとつ音楽の未来が楽しみになった。
藤本隆行（DUMBTYPE, Kinsei R&D）
人間が組織づけた音は、その構造によって人の感情に揺さぶりをかけたり、知的な経験を与えたりする。それを聴く側、つまり「人の心」を理解しようとするときには、乱暴な言い方をすると「精神医学」と「神経科学」の、2つのアプローチがあるように思う。精神分析などを使って迷路の中に踏み込んでいく方法と、脳を含めた身体の働きを、科学（西洋）的に細分化し切り刻んで、関係性を解明していく方法。 そのどちらが正しいのか？というのは、適切な問いの立て方ではない。 現代音楽のセオリーに全く無縁な僕が聴くと、とても饒舌でロマンチックと言ってもいいかと思うこの楽曲群は、実は音楽にとっての「精神医学」と「神経科学」の両方を深く考えた、稀有なバランスの上に成立している。
畠中実（キュレーター、美術／音楽批評）
プリペアド・ピアノは、ピアノの弦の間に異物を挟み込みピアノという楽器固有の音色を異化したものだが、この松本の言う、ピアノ以外の「楽器」は一切使用していない演奏による、12の前奏曲は、いわばコンピュータ・プログラムによってプリペアドされたピアノによる演奏とも言い得るだろうか。それぞれがコンピュータの異なる処理によって拡張されたコンポジションおよび楽器、そして演奏者による新たなピアニズムを模索しているようだ。それは自動筆記的でもあり、また、映像的な喚起力を内包してもいる。
國崎晋（サウンド＆レコーディング・マガジン編集人）
とても複雑な構造から成るピアノは、もっとも完成された楽器として広く知られている。松本はそんな楽器の王様にあたかも初めて接するような態度で臨み、鍵盤を弾くという本来の奏法だけでなく、弦をフィードバックさせたり筐体をたたいたり、どんなアプローチをすればどんな音が出るのかを、ひとつひとつ丁寧に確かめていったのだろう。その結果獲得した幾多の響きを増幅するための作曲技法、音響処理を徹底的に考え抜いて作られたのがこの12の楽曲だ。従来のピアノの枠にとどまらない12の新しい楽器が、それぞれの特性に合わせ極限まで洗練された演奏方法によって奏でられていくさまは、まさに息をのむほど優美なものである。
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